Appel à publication : « L’art du fluide. Éthiques et esthétiques de la grâce contemporaine », Déméter #9 hiver 2023
Concept majeur de la théorie de l’art du XVIe au XIXe siècle, au croisement de l’éthique et de l’esthétique, la grâce semble avoir perdu de son aura au cours du XXe siècle et être absente aujourd’hui des débats intellectuels sur l’art. Nous proposons au contraire de montrer que la grâce reste un concept opératoire pour penser la création artistique, qu’il s’agisse d’arts visuels, d’arts du spectacle, de musique, de cinéma ou de littérature. Comprise autrefois comme une forme d’inspiration, un don, la grâce réapparaît chez les artistes qui décrivent leur œuvre se faisant elle-même. Associée longtemps à la désinvolture, définie comme un art de cacher l’art, elle se manifeste chez les artistes dandys qui donnent l’impression de se méfier de l’effort. Liberté dans les règles, elle peut être évoquée par les artistes à protocole, tel John Cage, qui en faisait, avec la clarté, l’un des deux piliers de l’esthétique de la danse moderne. Pensée dans un registre spirituel, on la retrouve chez les artistes qui se défient d’un monde devenu grotesque et cherchent une certaine innocence. Légère et fluide comme l’air, elle traverse les théories du flow devenues à la mode dans les domaines de l’art, de la psychologie ou du développement personnel. Insaisissable, la grâce se cache peut-être aujourd’hui sous d’autres noms. Ce numéro se propose d’explorer les différentes manifestations de la grâce contemporaine.
Les propositions de contribution doivent être soumises au comité de rédaction pour le 2 janvier 2022.
Un séminaire de recherche réunissant les autrices et auteurs dont les propositions auront été acceptées se réunira en avril 2022. Les articles définitifs devront être adressés à la rédaction pour le 1er septembre 2022.
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Les propositions accompagnées d’une courte présentation biobibliographique de l’autrice ou de l’auteur doivent être envoyées aux adresses suivantes :
Exposition "Perspectives" à l'institut pour la photographie, Lille, 8 octobre - 5 décembre 2021
Avant sa fermeture provisoire pour grands travaux de rénovations, L’Institut pour la photographie organise dix expositions pour mettre en avant ses fonds photographiques et bibliographiques acquis au début de l’été 2021. Une partie des travaux de Jean-Louis Schoellkoppf, Agnès Varda et Bettina Rheims sera exposé, ainsi que deux des lauréats du Programme de soutien à la recherche et à la création de l’Institut, Aurélien Froment et Ezio d’Agostino. Entre le travail de Yoriyas – en résidence artistique à Roubaix – et la collection de photographies vernaculaires de Nadine et Paul Catry, l’Institut expose une partie des 25 000 ouvrages donnés par Lucien Birgé pour interroger la notion de « livre photographique ».
Festival Ciné-Comédies - Lille, 29 septembre - 3 octobre 2021
Comme chaque année depuis sa création en 2018, le festival propose une programmation riche autour du cinéma comique avec: - des avant-premières - des rencontres exceptionnelles (Joël Séria/Jeanne Goupil et Michel Leclerc) - des hommages (Robert Dhéry et Jean-Paul Belmondo) - des rétrospectives (Benoît Delépine/Gustave Kervern qui sont les invités d'honneur) - des films étrangers, cette année ce sont les comédies québécoises qui sont mises à l'honneur.
Toutes les séances sont gratuites à l'exception des quatre avant-premières ainsi que les deux séances du film "La Vie est un long fleuve tranquille" projetées sur une péniche.
Journée d'études « Portraits de cinéma : photographies de metteurs en scène, du studio à la vie quotidienne »
Cette journée d’études propose de penser l’image dans les archives cinématographiques, à travers l’exemple des photographies de réalisateurs. Après les portraits picturaux d’artistes et d’industriels, la mise en scène du réalisateur, reconduit, à l’origine, les stratégies économiques propres à certaines industries culturelles (la Librairie, le Théâtre) qui font vendre en exhibant « l’homme illustre ». Dévoilant l’humain derrière la caméra ou les supposés coulisses de la création, d’ordinaire invisibles du public, ces portraits photographiques déplacent l’intérêt porté à la mise en scène au cinéma vers la mise en scène du cinéma lui-même. La photographie du réalisateur donne à voir au-delà de l’humain et du lm. Elle révèle quelque chose du cinéma en tant que réseau de relations personnelles, culturelles, symboliques et sociales, mais aussi en tant que système de représentation.
Les propositions de contribution seront soumises le lundi 15 novembre 2021 au plus tard.
Les propositions de 1500 signes à 2000 signes, accompagnées d’une courte présentation bio-bibliographique de l’auteur, doivent être envoyées en format word (.doc) ou opendocument (.dot) aux adresses suivantes :
De prime abord, on pourrait s’étonner qu’une revue sur l’art et la création comme Déméter ouvre aujourd’hui ses colonnes à la thématique de la conservation-restauration qui, de l’aveu du Conseil international des musées, est une activité qui « ne crée pas d'objets culturels nouveaux ». Pourtant, les contributions rassemblées ici forment, de façon critique, un éventail singulier de manières de penser la conservation en lien avec la création. À l’issue du tournage d’un film, d’une pièce de théâtre, d’un spectacle de danse, d’un opéra, d’un concert ou d’une performance, les objets de scène connaissent des destinées très différentes. Certains peuvent entrer dans le patrimoine au titre de témoignages des œuvres artistiques dont ils sont issus, mais ils peuvent aussi devenir des sources d’inspiration pour les artistes actuels. Lorsqu’ils sont plus communs, les objets peuvent trouver une seconde vie au sein d’un nouveau cycle créatif. Enfin, la conception d’une exposition pour le public peut aussi constituer un processus créatif inédit auquel l’objet participe pleinement. Somme toute, ce numéro de Déméter interroge le désir de préserver certains objets jusqu’alors peu considérés, faisant du patrimoine ce qu’il est véritablement : « une construction sociale » elle-même créatrice de valeurs et de regards.
Les traces de la présence de l’acteur, éphémères et souvent indirectes, interrogent la mémoire visuelle du théâtre : image-reflet ou figuration par séries. Le maquillage théâtral croise une réflexion sur les transformations de la tête et du visage de l’acteur depuis les fards français jusqu’au grimage, catégorie pertinente pour le théâtre russe à partir du XIXe siècle. Il s’agit ici de saisir la multiplicité des images qui documentent ces transformations de l’acteur : gravures, peintures, dessins, photographies, genres du portrait et de la caricature. L’art décoratif théâtral russe permet d’isoler un corpus spécifique d’esquisses de grimage (maquettes de maquillage) qui donnent à penser et à voir les capacités de projection et d’imagination figurative du peintre-décorateur, de l’acteur ou du metteur en scène, mettant en évidence une question génétique d’esthétique théâtrale avec des enjeux de conservation, d’édition et d’exposition.
La réalisation de films d’animation donne lieu à la création d’une quantité considérable de documents et d’objets de production : dessins de concepts, story-boards, études de personnages, marionnettes, décors ou accessoires. Ces objets sont conservés dans les cinémathèques et les musées comme objets patrimoniaux. Dans le cadre de cet article nous proposons de nous intéresser plus spécifiquement aux objets mis en scène dans les films, ceux que la théoricienne du cinéma Joséphine Jibokji nomme « objets de cinéma », et d’interroger leur statut, une fois sortis du film et conservés par les musées. En plus de questionner différents exemples de scénographies présentes dans divers musées, nous interrogeons également l'identification et le catalogage des objets de scène venant du cinéma.
En prenant comme cas d’étude les œuvres des artistes tchèques Jan et Eva Švankmajer conservées aux Musées-d’Annecy, nous souhaitons explorer de nouvelles pistes de réflexion sur le statut de ces objets qui « prennent vie » par la technique du stop-motion (animation d’objets en volume). L’analyse de ces œuvres par le prisme du concept du cabinet de curiosités, omniprésent dans les différentes facettes de la création de Jan Švankmajer, contribuera à la réflexion sur la définition des objets de cinéma, tout en révélant la manière dont le couple d’artistes défie le statut habituel de ces derniers, allant jusqu’à renverser le rapport de subordination entre les films et les objets.
La commune de Septfonds (Tarn-et-Garonne) conserve un ensemble de 32 panneaux peints à la gouache sur papier kraft, qui ont servi de décors de théâtre. Protégés en 2017 au titre des Monuments Historiques, leur état sanitaire inquiétant a conduit la commune à diligenter une étude diagnostique en vue d’une conservation puis d’une restauration. À cette occasion, il est apparu nécessaire de se pencher sur leur histoire et sur leurs liens avec le camp d’internement de Septfonds, ainsi qu’avec certains artistes détenus, dont Gert Wollheim.
Cet article fait le récit du devenir de « marionnettes de télévision » parmi les plus emblématiques et renommées du XXe siècle en France, en Grande-Bretagne, aux États-Unis et aux Pays-Bas, et se focalise plus particulièrement sur la question de leur conservation au sein d’institutions muséales. Les marionnettes y sont présentées selon leur technique de manipulation, à savoir marionnettes ventriloques, marionnettes à fils, muppets et animations en volume. Ce texte interroge également la nécessité ou non de la collecte et de la patrimonialisation d’objets qui ont certes suscité l'adhésion populaire grâce à la diffusion par des médias de masse d’émissions les mettant en scène, mais dont la conservation peut s’avérer frivole et inutile d’autant plus qu’il est aujourd’hui possible de consulter les archives audiovisuelles de ces programmes. Pourtant, ces marionnettes de télévision présentent un intérêt patrimonial et scientifique non négligeable si l’on s’en tient à l’avis de plusieurs institutions muséales. Les intégrer dans des collections ne semble en définitive pas si saugrenu.
La plupart des scènes lyriques majeures dans le monde conservent des objets scéniques et des archives issus de leurs productions. Représentatifs de l'histoire de l'institution, ces objets ne sont dès lors plus considérés comme un stock mais comme un patrimoine par plusieurs de ces Opéras, qui ont choisi de le valoriser à travers des musées et des bibliothèques. Toutefois, à l'exception de ces grandes maisons, rares sont les théâtres, et plus encore les communes, susceptibles de prendre en charge la masse d'objets scéniques issus de leurs lieux de spectacles. Tel est pourtant le cas de la Ville d'Aix-en-Provence, qui a hérité dans les années 2000 d’un vaste ensemble provenant principalement du Festival International d'Art Lyrique, et constitué de divers fonds – décors, costumes, maquettes... – regroupés sous l'étiquette de « collections patrimoniales d'art lyrique ». Remarquable par son exhaustivité, sa diversité, et ses qualités esthétiques, ce corpus comporte des œuvres d'artistes et scénographes majeurs du XXe siècle (Masson, Derain, Gontcharova, Clavé, Malclès, Ganeau, Lalique...) et couvre la plus grande partie de l'histoire de la manifestation, allant pour l'essentiel de 1949 à la fin des années 90. Après un bref historique du Festival d'Aix et de ses évolutions, l'article retrace les moyens par lesquels ces objets de scène sont parvenus jusqu'à nous et l'histoire mouvementée de la constitution des collections d'art lyrique aixoises, à travers le difficile processus qui mène du stockage à la conservation.
La conservation-restauration d’objets de scène soulève de nombreuses questions déontologiques. Commencer un traitement peut s’apparenter à une gageure : comment assurer la bonne conservation de l’objet et son intégrité historique, esthétique, scientifique toujours en évolution, comment garder l’apparence homogène et la cohérence d’un objet réalisé avec des matériaux disparates qui ont vieilli différemment ? Si ces questions peuvent apparaître pour le traitement de tout type d’objets, elles sont flagrantes dans le domaine des objets des arts du spectacle. Tout comme le jeu spectaculaire dont il est issu, l’objet de spectacle ne cesse de changer de forme et de visage. Comment restaurer le côté évanescent, léger du spectacle rendu palpable dans les objets par le « bricolage » des assemblages, la fragilité des matériaux choisis, leur caractère périssable. Que faire avec des coulures de colle voyantes et destructives invisibles au moment de la fabrication de l’objet mais jaunies ou assombries ? Comment remplacer un élément manquant dans une maquette en respectant la règle en restauration de lisibilité du traitement en sachant que sur cet objet à but technique tout changement d’apparence peut être vu comme un message technique ? Le traitement de restauration va avoir pour objectif de « conserver » le document le plus longtemps possible donc « figer », son aspect, ses matériaux en retardant une évolution fatale trop rapide.
Lorsqu’on parle de conservation d’objets, on se réfère le plus souvent à une conservation patrimoniale qui passe en général par la collection, la restauration, l’exposition. Les objets sont alors choisis pour leur historicité et leur capacité à témoigner d’une époque, d’un événement ou, dans le cas des objets de scène, d’un spectacle ; on leur prête alors un caractère auratique et leur conservation consiste à les figer dans un certain état et à les préserver de tout contact. Il existe cependant une autre forme de conservation, plus anodine en apparence : celle qui nous fait garder un objet dans l’espoir qu’il puisse servir de nouveau. Or, ce geste banal – garder – semble aujourd’hui épouser une dynamique de consommation et une économie plus circulaires et collectives, plus soucieuses de l’environnement. De la même manière que la vente d’objets de seconde main connaît une envolée remarquable à travers l’esthétique vintage et la multiplication des plateformes numériques de vente entre personnes, on voit également se former dans le milieu du spectacle un réseau grandissant de réemploi. Comment, à quelles échelles et par quelles instances ce réseau s’organise-t-il ? Quels impacts a-t-il sur les esthétiques théâtrales ? On se propose ici d’étudier brièvement des pratiques existantes et émergentes de réemploi, d’interroger leur incidence sur les processus de création et de dessiner ainsi les contours de ce qui pourrait bien être, plus qu’un simple geste, un véritable système de consommation à la faveur d’une conservation toujours renouvelée des objets de scène.
Fondée en 1936 par Henri Langlois, la Cinémathèque française collecte, conserve, restaure et met à disposition le patrimoine cinématographique film et non film. Constitué d’ouvrages, de périodiques, de photographies, d’archives, d’appareils, de costumes, d’objets, d’affiches, de matériels publicitaires et de dessins, les collections non film de la Cinémathèque sont mises en valeur dans le monde entier lors d’expositions, de colloques ou au travers de publications. Cet article présente un projet de valorisation différent des pratiques plus communément employées, fondé sur l’idée de proposer à un artiste un document conservé au sein de la collection des Dessins comme source d’inspiration. La découverte de l’univers de Mathieu Dufois, artiste cinéphile, a amené Françoise Lémerige, Chargée du traitement documentaire des collections Dessins et Œuvres plastiques à la Cinémathèque française, à inciter le plasticien à travailler à partir d’un dessin d’ambiance réalisé par le décorateur Alexandre Trauner pour un projet de film ayant été avorté en 1947 réalisé par Marcel Carné et écrit par Jacques Prévert : La fleur de l’âge. Richement documentée au sein des collections non film, dotée d’auteurs célèbres ayant marqué l’histoire du cinéma, cette oeuvre présente le sujet central de ce film inachevé : une institution pénitentiaire pour « enfants criminels ». L’installation Et ne reste que le décor, réalisée par Mathieu Dufois à partir de la maquette de décor d’Alexandre Trauner a été présentée entre le 16 janvier et le 28 février 2021 au Drawing Lab1 durant l’exposition "Tout un film !", au côté d’oeuvres d’artistes contemporains inspirés par le cinéma tels qu’Antoine Marquis, Camille Lavaud, Elsa Werth ou encore William Kentridge. "Tout un film !" a été également l’occasion de montrer au public une sélection d’oeuvres patrimoniales mettant en exergue les liens entre dessin, cinéma et art contemporain. Ces projets de valorisation permettront, nous l’espérons, de servir de tremplin à de futurs projets de créations et de recherches au sein nos collections patrimoniales.
Nous sommes passés d’un temps hésitant à conserver les décors de ballet peints par Picasso pour Parade à celui où sont, par exemple, exposés sans ambages quatre cents objets de scène ayant appartenu aux Rolling Stones. Partant de ce constat, le présent article inscrit la réflexion sur la conservation des objets au sein du processus plus général d’extension de la notion de patrimoine qui s’opère au vingtième siècle. Beaucoup commentée, cette « inflation patrimoniale » réactive ici le débat sur le relativisme entre les cultures mais également sur le nivellement des valeurs. À partir de la pensée de Claude Lévi-Strauss, l’auteur revient sur le processus d’intégration des créations culturelles au sein d’un patrimoine mondialisé (unesco : 1972). Souvent présenté comme une « source d’inspiration et de création » pour les générations à venir, il est néanmoins possible d’y voir un marqueur d’entropie et un signe de crise de la civilisation occidentale. Les ambiguïtés au cœur des prescriptions formulées par les institutions internationales sont questionnées afin de renouer avec une idée prospective du patrimoine, de l’histoire et de la création.
Alors qu'il y a plusieurs années, les nouvelles technologies numériques n'étaient utilisées que par un groupe d'artistes pionniers, elles sont devenues accessibles et omniprésentes dans la pratique artistique d'aujourd'hui. Néanmoins, il existe un fossé persistant entre nos institutions traditionnellement en charge de leur exposition, la collection et la préservation de l'art. Certains ont acquis de l'expérience avec l'exposition d'art des nouveaux médias, en adaptant des modèles de conservation existants ou en en créant de nouveaux moyens de monstration, tandis que pour d'autres, le contact avec des oeuvres axées sur la technologie semble toujours être un défi. Basé sur des recherches de terrain menées dans les Hauts-de-France, cet article explore cette fracture numérique dans le monde de l'art institutionnel. Quelles sont les stratégies curatoriales d'une institution spécialisée comme Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains, comment sont-elles organisées et que peuvent en tirer les autres institutions ? Quelles sont les raisons de cette division persistante à l'heure où les technologies numériques sont omniprésentes ?
Cet article propose d’interroger l’esthétique musicale du compositeur français Gérard Pesson (né en 1958) à la lumière de l’« herméneutique du sujet » entreprise par Michel Foucault dans les dernières années de sa vie, et plus précisément ce qu’il a nommé l’« écriture de soi », dont une forme insigne, liée à l’« exercice de soi » dans la pratique de la mémoire, est celle des « hupomnêmata ». La problématique du « souci de soi » permet ainsi d’éclairer comment la pratique, chez Gérard Pesson, de l’écriture d’un journal, révèle l’écriture musicale elle-même comme une forme d’écriture de soi, dont le nom propre est « désécriture ». Cette esthétique musicale de la soustraction et de l’effacement, qui conçoit la composition comme l’« écoute d’une écoute », et dont cet article propose plusieurs exemples, constitue en elle-même une « archéologie » du sujet. La désécriture de la musique apparaît ainsi comme une désécriture de soi, un travail qui consiste à jouer avec les effets de pétrification de l’expérience et de la mémoire – personnelle comme musicale – en poncif. L’activité de « déprise » (Barthes), appliquée à la langue musicale comme au sujet de cette langue, permet de désigner cet exercice de soi comme une relation critique à la composition musicale elle-même, qui introduit un différer à l’intérieur même de l’activité créatrice. Apparaît dès lors comme une véritable discipline de soi l’exercice de se dire et se vivre tout le temps en retard.
Appel à publication : « Chercher l’or du temps : surréalismes, art naturel, art brut, art magique » Dēmēter # 8 été 2022
Le LaM, Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut de Lille Métropole à Villeneuve d’Ascq organise une exposition intitulée « Chercher l’or du temps : surréalismes, art naturel, art brut, art magique » qui se tiendra du 10 juin au 16 octobre 2022. Dans un parcours qui s’étendra des années 1920 à la fin des années 1960, l’exposition étudiera les moments et les lieux de convergence intellectuelle, artistique, géographique et politique des acteurs du surréalisme dont André Breton et l’inventeur de l’art brut Jean Dubuffet, sans se limiter à ces personnalités majeures. Elle sera accompagnée d’un catalogue, d’une journée d’études et de ce numéro thématique. Un important travail de recherche est en effet à l’œuvre pour relire et relier les histoires du surréalisme, de l’art brut et de leurs prolongements selon une approche de l’art qui serait le fait de forces irrationnelles ou (sur)naturelles.
Les propositions de contribution seront soumises aux coordinateurs du numéro thématique le 2 novembre 2021 au plus tard. Les auteurs dont la proposition aura été acceptée devront adresser leur article avant le 20 décembre 2021.
Les propositions de 1500 signes, accompagnées d’une courte présentation bio-bibliographique de l’auteur, doivent être envoyées en format word (.doc) ou opendocument (.dot) aux adresses suivantes :
La pratique musicale devient un sujet de plus en plus populaire dans la recherche scientifique. Ici nous proposons une revue des études existantes qui se demandent si, et à quel degré, l'expérience musicale affecte des fonctions cognitives autres que celles communément associées à la musique. En général, il semble que la pratique musicale soit associée à des effets bénéfiques, parfois restreints au seul domaine de l’audition, sur de nombreuses fonctions cognitives, du contrôle exécutif à la créativité. On conclut que la pratique musicale peut être un entraînement utile pour favoriser le développement cognitif, mais d’autres recherches utilisant des études longitudinales et prenant en compte les différences individuelles sont nécessaires pour déterminer les bénéfices réels.
Le scénario est un objet singulier. Le scénario : une source pour l’histoire du cinéma part des documents pour interroger le rôle de cette archive dans l’historiographie du cinéma, la plaçant à la croisée d’imaginaires cinématographiques entre technique, production, esthétique, écriture et théorie du film. L’ouvrage apporte quelques éléments pour redéfinir les circonscriptions conceptuelles et historiques de cet objet complexe, de même qu’il ouvre à penser le scénario en dehors du film, comme médium artistique en lui-même.
À la rentrée 2020, se tenait l’exposition « Sens Fiction » au Tripostal (Lille). La place de la fiction dans la fabrication de nos imaginaires est au coeur de la réflexion menée par Scott Longfellow et Ramy Fischler, dans le cadre de cette année consacrée au design. En effet, quand un objet est conçu il mettra un certain temps avant d’arriver sur le marché : la question de l’anticipation est donc nécessairement intégrée dans sa conception. Ainsi, à l’image de Martin Cooper qui s’inspire du « Communicator » du Capitaine Kirk pour inventer le premier téléphone portable, les designers et ingénieurs se tournent vers les fictions d’anticipation pour penser et créer les objets de demain. De l’importance de la fiction dans notre rapport au monde, en passant par les prémisses de la science-fiction, jusqu’à un essoufflement des imaginaires, les visiteurs du Tripostal traversent ces réflexions à travers un parcours thématique conjuguant le présent au passé et au futur.
Journée d'étude en ligne "Clichés et stéréotypes", vendredi 18 juin 2021
Cliché et stéréotype sont deux notions voisines et relativement récentes : empruntées au registre de l’imprimerie, elles désignent certaines manières de dire et de représenter particulièrement banales, facilement identifiables, simplificatrices et collectivement partagées. Mais elles n’ont pourtant pas tout-à-fait le même sens, ni la même histoire. Si le cliché à longtemps été cantonné à une approche littéraire normative stigmatisant les effets de répétition et de facilité stylistique, son articulation au stéréotype, inscrit dans le champ des sciences sociales, a ouvert la réflexion à de nouvelles questions : approche socio-critique des textes littéraires, constructions sociales des représentations identitaires, distinctions des niveaux de langage, stéréotypes de lecture.
Journée d'étude en ligne "nuage pourpre", jeudi 1er avril 2021
Journée d’études organisée par Géraldine Sfez (CEAC, Université de Lille) et Riccardo Venturi (TELEMME, Aix-Marseille-Université) En collaboration avec Pascale Pronnier (Le Fresnoy - Studio national)
Cette journée d’études, dont le titre fait référence à un ouvrage de science-fiction datant de 1901 (The Purple Cloud, M. P. Shiel) et décrivant un monde post-apocalyptique dans lequel la population a été décimée par un énigmatique nuage de couleur pourpre, se donne pour objectif de partir de la question des éléments pour aborder celle plus large de l’anthropocène. Il s’agira ainsi de déplacer l’angle d’approche de la question de l’anthropocène en s’appuyant moins sur les notions abstraites et universelles d’homme et de nature, que sur celle, précise et incarnée, d’éléments. Il s'agira notamment de se demander de quelle manière les éléments, et la façon dont les artistes les envisagent, nous permettent de saisir, voire de visualiser ce que recouvre le terme d’« anthropocène ». La matérialité propre aux éléments, leur plasticité, leurs textures spécifiques et la façon dont les artistes les questionnent et les investissent, constitueront ainsi le fil directeur de cette journée, pensée à partir d’une alternance entre propos théoriques et entretiens avec des artistes.
Le jeudi 1er avril 2021 de 10h à 16h30 depuis notre site internet. Inscriptions : ICI.
Programme
10h Mot d'accueil par Alain Fleischer, directeur du Fresnoy, et présentation de la journée par Géraldine Sfez et Riccardo Venturi
10h30 Entretien avec Tim Ingold
11h Dialogue entre Frédérique Aït-Touati et Momoko Seto
11h45 Discussion avec le public
12h Déjeuner
13h30 Présentation et projection du film One thousand and one attempts to be an ocean de Yuyan Wang (2020)
14h Dialogue entre Emanuele Coccia et Grégory Chatonsky
14h45 Discussion avec le public
15h Pause
15h15 Dialogue entre Joan Ayrton et Carine Klonowski
16h Discussion avec le public et clôture de la journée
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